Alle Bilder können bei out-of-space.ch oder bei Flickr angesehen werden.

Durch sein doch eher düsteres Ambiente erhielt er den namen dark.

Downloaden kann man ihn (und die älteren) hier.

Feedback ist natürlich höchst willkommen.

Die Website ist nun also:

http://www.thegrid.ch/mainland/

In die drei Songs kann man auf der Website auch direkt reinhören. Es sind wohlgemerkt noch Demos, jedoch sollte man schon hören, wo es langgehen sollte…

Feedback ist natürlich erwünscht…

(Übrigens: Eventuell werden noch weitere Musiker gesucht (b / k), Interessenten aus dem Raum Basel bitte melden…)

Der instrumentale Aspekt kann hier relativ einfach beschrieben werden. Man kann die Musik, meist Streicher- und Piano-betonte, ruhige Klänge, wohl am ehesten mit den ruhigeren Stücken von The Young Gods, mit den letzten beiden Alben von Talk Talk (Laughing Stock und Spirit Of Eden) oder auch mit dem Album Still der Nine Inch Nails vergleichen.

Das beeindruckende an Three Times Dead sind aber die Texte und die Art des Singens – oder vielmals eher des Erzählens, im Kontext der Musik. Die Texte hier nur niederzuschreiben wäre eher sinnlos. Meist handeln sie, wie der Albentitel schon vermuten lässt, vom Tod – teilweise offensichtlich, teilweise eher versteckt. Es ist aber die Art zu Singen oder eben zu Erzählen, welche den Hörer immer wieder aufhorchen lässt.

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Musikalisch ist Emiliana schon seit einiger Zeit am arbeiten, wenn auch ihre frühen Werke weitgehend unbekannt sind und so gut wie nie den Weg raus aus Island gefunden haben. So wurden die ersten drei Alben Spoon, Crouçie D’où Là und Merman bisher nur in Island veröffentlicht.

Mit dem vierten Album, Love In The Time Of Science (1999), schaffte Emiliana dann den Durchbruch, sang danach “Gollum’s Song” für Peter Jacksons Film The Lord of the Rings: The Two Towers (2002) und veröffentlichte im Jahr 2005 das fünfte Album Fisherman’s Woman. Obwohl sie seit Love In The Time Of Science eine relativ grosse Fangemeinde hinter sich hatte, ist sie dennoch vielen noch nicht bekannt. Denn obwohl das “Science”-Album noch sehr viel Trip-Hop und vor allem auch Pop (nicht im negativen Sinn) enthielt, war dann Fisherman’s Woman doch wieder zu introvertiert, um die breite Masse ansprechen zu können. Schade eigentlich, denn das Album ist mit seiner fast durchwegs akustischen Instrumentierung sehr persönlich und beinhaltet Höhepunkte wie z.B. den Song “Next Time Around“. Das Album ist durch seine Art vergleichbar mit Lou Rhodes‘ beiden Soloalben Beloved Ones und Bloom.

Nun wurde der Titelsong des neuen Albums Me And Armini schon relativ lange vor dem Erscheinen des Albums über das Internet verbreitet. Wer bisher nur diesen gehört hat mag ein wenig erschrecken, dass die Musik (in etwa Akustik-Reggae mit einem Geräusch-Finale) nur relativ wenig nach der Emiliana Torrini klingt, die wir von den letzten beiden Alben kennen. Doch die Stimme, ohnehin das Herzstück ihrer Musik, ist unverkennbar Emiliana Torrini!

Doch schon beim ersten Track “Fireheads” des neuen Albums können alle allfälligen Befürchtungen zerstreut werden, denn was man schon da zu hören bekommt, entspricht den Erwartungen (zumindest meinen) vollauf: Schönes Songwritig, beschwingte Drums und ein witziger Refrain.

Die auffälligste Eigenschaft des neuen Albums ist, wie man beim weiterhören merkt, dass Emiliana sich scheinbar nicht für einen Stil entscheiden konnte. Die einzige Konstante auf dem Album ist ihre unverkennbare Stimme, für die Musik holt sie sich aber in allen möglichen Ecken der Musikgenres und sogar der Musikgeschichte Zutaten und Anleihen. Musikgeschichte deshalb, weil man beispielszweise im Song “Birds” nach einiger Spielzeit zu einem Zwischenteil kommt, welcher von Pink Floyds Soundtrack Obscured By Clouds (1972) stammen könnte…

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Gegründent von den zwei Hip-Hop DJs und Remixern George Evelyn und Kevin Haper sieht sich die Band ja eher im Downbeat als im Hip-Hop. Dennoch fehlt diesem Album durchgängig etwas wichtiges, auch wenn man es zu Beginn nicht so richtig deuten kann. Die Tracks tröpfeln manchmal entspannt dubbig aus den Boxen (“Still Yes“), dann wieder Old-School-Hip-Hop-mässig (“Da Feeling“) und zum Schluss dann sogar richtig Lounge-Mässig mit Klavier und Streichern, mit der grossen Kelle angerührt (“Hey Ego!“).

Lässt man aber mal ein paar Tracks im Hintergrund laufen, ertappt man sich immer wieder beim drücken der Skip-Taste. Denn obwohl die Musik an sich sehr angenehm ist und auf den ersten Blick ein “Jaja, ist ganz OK”-Prädikat erhalten mag, merkt man mit der Zeit, dass etwas fehlt.

Meines erachtens ist es folgendes: Die Musik klingt meistens wie Hip-Hop, Dub oder Trip-Hop, bei dem der Gesangskanal gemuted ist. Man kennt das von diversen Hip-Hop-Alben oder EPs, bei denen die normalen Tracks nochmal als “Instrumentals” auf die CD gepackt wurden. Bedeutet eigentlich die selbe Musik, ohne die Raps (wohl gedacht für jene, die das mitrappen üben oder Karaoke betreiben wollen).

Was bei einem Hip-Hip-Album als “Supplément” zu den richtigen Songs ganz schön sein mag, stört bei einem normalen Album ganz gewaltig, denn man wartet bei jedem Track darauf, dass noch mehr kommt, dass etwas passiert. Aber es sind sozusagen nur endlose Intros. Nur bei einigen Tracks ist das nicht der Fall, so z.B. beim Dub/Reggae-Song “195lbs“, welcher schon als Single ausgekoppelt wurde. Die spärlichen Vocals bei den anderen Tracks klingen weniger nach Lead- sondern eher nach Background-Vocals.

Somit wird aus dem Album eigentlich mehr eine Art Lounge-Fahrstuhl-Musik, von der man sich im Hintergrund berieseln lassen kann – viel mehr bleibt nicht hängen. Man sehnt sich bei den meist eigentlich schon nicht so schlecht gemachten Instrumentals nach einer Stimme, die eine Melodie vorträgt, welche der Musik einen Sinn gibt. Schade, so sticht kein Song richtig raus und das ganze bleibt dann doch sehr belanglos…

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Reinhören in einige der Tracks: www.myspace.com/nightmaresonwax

…auch erschienen auf out-of-space.ch.

Nach mehreren Höhrdurchgängen erkennt man dann auch, dass die Musik sehr vielschichtig ist, aufgebaut mit vielen Instrumenten und immer wieder überraschenden Wendungen in Melodie und Akkordauswahl. Nach 70er-Jahre klingt es vor allem wegen der Instrumentierung mit Gitarren, viel Orgeln, Hammonds, Moog etc. aber auch Bläsern und Streichern. Französisch klingen die Arrangements und nicht zuletzt natürlich der Gesang, auch wegen den teilweise in Französisch gesungenen Texten.

Die Band aus London hat schon einiges an Erfahrung, denn Chemical Chords ist ihr 9. Studioalbum. Gegründet im Jahr 1990 hat die Band nach dem Umfalltod von Mary Hansen im Jahr 2002 seit dem letzten Album Margerine Eclipse wieder die ursprüngliche Sängerin Lætitia Sadier. Über die Jahre unternahm die Band Ausflüge in alle möglichen Genres und Sparten, von Philip Glass über Brasilianische Musik (vor allem auf Dots and Loops) bis zum Jazz (vergleiche hierzu auch den englischen Wikipedia-Eintrag).

Überall durch dieses Sammelsurium von Stilen und Abschnitten zieht sich die Verwendung von Orgeln aller Art, und diese sind auch auf Chemical Chords wieder das dominierende Element. Obwohl kein Track auf dem Album richtig herausstechen mag, hat man trotzdem ein durchgängigen roten Faden – man kann es eigentlich einlegen und laufen lassen. Die Rezeption der Songs ist immer in etwa die selbe, aber durch das intelligente Songwriting wird es selten langweilig, das oben erwähnte “Gedudel” relativert sich also wieder.

Also nichts wirklich neues von Sterelab, eher zurück zur soliden Musik für Freunde von Chanson, Gainsbourg und Hammond.

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Reinhören auf MySpace: http://www.myspace.com/stereolab

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Das Coverbild des neuesten Werkes Supreme Balloon trifft die musikalischen Eigenschaften des Duos exakt: Zwei Figuren in einem Heissluftballon, die farbige Wölckchen in verschiedenen Formen aus einem Hörrohr-ähnlichen Teil über einer farbig-bizarren Landschaft verteilen. Verspielt, bunt, schräg. So können unvorbereitete Hörer, die Matmos bisher nicht kannten, mit deren Musik ein wenig überfordert sein. Doch immerhin: Es geht gleich vom ersten Track “Rainbow Flag” an richtig seltsam los, mit Gameboy-Melodien und digitalem Gezirpe und Gefiepse.

“Polychords” hat wenigstens noch einen ziemlich durchgehenden Beat, aber danach steigt man mit “Mister Mouth” und “Exciter Lamp and the Variable Band” immer mehr ab in eine Art akkustische Schokoladenfabrik der zwei Willy Wonkas der schrägen Klänge. Die ersten Tracks haben wirklich was von einem Sonic the Hedgehog-Soundtrack.

Das Experiment “Les Folies Françaises” geht dann in eine andere Richtung: Pianistin Sarah Cahill spielt auf einem wie auch immer vermurksten Instrument (scheinbar ein Korg MS2000) jenes Stück, das eigentlich schon vor ca. 300 Jahren vom barocken Komponisten François Couperin für eine Harfe geschrieben wurde. Man höre und staune.

Etwa die Hälfte der Spielzeit des Albums macht der Titeltrack “Supreme Balloon” aus: In gut 24 Minuten zeigen M.C.Schmidt und Drew Daniel, dass auch sie komponieren können. Ein fast endloser Anstieg in Komplexität und Indensität, dann wieder minutenlange Entspannung, schliesslich Percussion, Quakgeräusche, Piepsen und ein 1-Minuten-Ausklang. Später auf dem Album findet man – nach etwa 10-minütiger Stille – noch den Track “Ainsoph“, auch hier wieder eine elektronische Kakophonie, bevor das Album mit 8 Sekunden Stille (unter dem Namen “Omega“) abgeschlossen wird.

Man war ja durch das Coverbild schon vorgewarnt. Dennoch reibt man sich nach dem Durchhören die Augen bzw. Ohren ob so viel musikalischer Verspieltheit, Dadaismus, Nonsens, Musique concrète, Genialität und auch Durchhaltevermögen.

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PS: Die Wertung von 9/10 Sternen sollten sich nur jene zu Herzen nehmen, die experimentelle Musik mögen.

Reinhören auf: http://www.myspace.com/matmos1

…auch erschienen auf out-of-space.ch.

Dreckig, frech, teils chaotisch aber auch sexy, das sind die Adjektive, mit denen man die Musik beschreiben könnte, eine Mischung, die sich vom Electronica zum Punk zum Goth bewegt. Teilweise ein wenig zu viel. Man wird mit den ersten sechs Tracks des Albums so ziemlich überrollt, bevor dem Hörer mit “Come Death and Welcome” eine Verschnaufpause gegönnt wird. Vorher kämpft man sich durch reichlich mit diversend Sounds ausgepolsterte Tracks – Glam-Electro, dominiert durch eine Gesangsstimme, die, stets mit viel Vibrato gesungen, an Popgrössen der 80er-Jahre erinnert.

Die bewegten Tracks machen durchaus Spass. Textlich sehr verrückt (ensprechend den Songnamen) können sie auch musikalisch immer wieder überraschen. Aber nach sechs dennoch ein wenig anstrengenden Songs ist man wie gesagt froh um die kleine Pause, die man mit “Come Death and Welcome” erhält. Der Song ist ruhiger und soundmässig vergleichsweise wenig ausgefüllt – ein guter Vergleich wäre Gorillaz.

Nachher gehts weiter wie gewohnt, laut, bewegt und streckenweise an die elektronischen Wände von M83 erinnernd (zum Beispiel “Why Do I Try“). Nach diesem letzten Stück wird dem Hörer noch ein Hidden Track geschenkt.

Man kann sich diese Band, deren Mitglieder sich die Künstlernamen Mellay Human, C More Human, Dave Human, K Human, B E Human und J Human gegeben haben, sehr gut als eine Liveband vorstellen, die so richtig abgeht. Zuhause beim hören des Albums kann einem die ständige Armada aus Klängen aber dann doch noch schnell mal zuviel werden. Es ist eines jener Alben, die man nicht in jeder Stimmung gut findet: Im richtigen Moment geht es los wie ein Feuerwerk, aber im falschen Moment (bzw. in der falschen Stimmung) ist es jene Musik, die Aufdringlich und beinahe erdrückend wirkt.

Vielleicht teilen aber nicht alle die Meinung eines eher zum Minimalismus tendierenden Reviewers, deshalb lieber selbst reinhören.

…auch erschienen auf out-of-space.ch.

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